Saltar al contenido
Las Mejores Peliculas seleccionadas para ti.

Las 25 Mejores Películas 2019

Mejores Películas en 2019

Llegamos al 2019 sabiendo que recibiríamos nuevas películas de pesos pesados del cine como Martin Scorsese (El irlandés), Quentin Tarantino (Érase una vez en Hollywood) y Greta Gerwig (Mujercitas) y el año no dejó de estar a la altura de las expectativas.

Pero con los estrenos que salen semana tras semana, ¿cómo encontrar el nuevo clásico que estás buscando? Si estás aquí, ya sabes la respuesta: ¡nuestro equipo ha hecho la selección! Teniendo en cuenta múltiple factores entre ellos los votos de vosotros, los verdaderos críticos. ¡Ahora, hemos recopilado todas las películas del 2019 para crear tu guía definitiva de las mejores películas del 2019!

¡Ha sido un gran año para las películas de cómics, pero también hay muchas otras películas geniales para ponerse al día, ahora, continúe descubriendo películas de calidad aprobadas por la crítica y recuerde las que quiera volver a ver, con nuestra lista de las mejores películas del 2019 hasta ahora!

  1. Historia del Matrimonio – Marriage Story

El divorcio es un cataclismo que destruye el pasado, el presente y el futuro, y obliga a reconfigurar el sentido de sí mismo, y la Historia de Matrimonio de Noah Baumbach capta esa agitación con una autenticidad y una perspicacia que pican.

La separación del director de teatro de Brooklyn Charlie (Adam Driver) y la actriz Nicole (Scarlett Johansson) comienza con intenciones amistosas, pero pronto se convierte en una costosa y traumática guerra legal que es llevada a cabo por abogados despiadados e interesados (Laura Dern, Ray Liotta), y deja al joven hijo de la pareja, Henry (Azhy Robertson), en medio de un tira y afloja figurativo (y, en un momento dado, literal).

La subsiguiente lucha por la custodia se centra en la costa que su hijo llamará hogar, y la aguda escritura y las imágenes de Baumbach -llenas de primeros planos de dolor y furia, y composiciones remotas que separan y aíslan a sus protagonistas a la deriva- ubican la manera en que esa batalla inevitablemente deforma lo que una vez fue bueno, dejando sólo resentimiento y ruina a su paso.

Ninguna película sobre el tema ha sido tan vigorosamente fiel a la vida, y gran parte del mérito de ese triunfo recae en Driver y Johansson, cuyas superlativas actuaciones de duelo -heridos y justos, desamparados y furiosos, y marcadas por sus respectivos números musicales- son tan sutiles como desgarradoras.

  1. El Faro – The Lighthouse

El encanto de la luz lleva a dos hombres a la locura del campo en The Lighthouse, de Robert Eggers, una obra de locura de época que cumple con creces la promesa de su debut en 2015, The Witch.

En una roca de Nueva Inglaterra envuelta en una neblina de olas y bombardeada por una lluvia torrencial, los fareros del siglo XIX Thomas Wake (Willem Dafoe) y Ephraim Winslow (Robert Pattinson) se ocupan de sus tareas, el primero de ellos cuidando la torre iluminada y el segundo manteniendo su domicilio y su horno de carbón.

Su laborioso trabajo se ve agravado primero por las tensiones interpersonales sobre la posesividad de Wake con respecto al propio faro, y luego por los enfrentamientos con gaviotas graznantes (embarcaciones para los espíritus de los marineros muertos, dice Wake) y visiones de tentáculos viscosos y sirenas invitantes.

Rodada en un luminoso y granulado blanco y negro de 4:3 que le da a la acción el aspecto de una vieja fotografía desgastada, anotada con bramidos impíos y chillidos de sirena, e impulsada por el diálogo de un libro de cuentos ornamentado adecuado para una pesadilla náutica, es una película sobre la culpa, la vergüenza y la codicia (y la psicosis que engendra) que rezuma una malevolencia apretada y empapada.

La maldición de Dafoe a los dioses marítimos es un todo terreno, y un soberbio Pattinson hace juego con su paso de locura de ojos salvajes para romper la tabla del suelo. Eggers termina por ahogar su material en imágenes sexualmente deslizantes de un tipo enloquecido, y remata las cosas de una manera que es aún más cautivadora por permanecer tan inolvidablemente oblicua.

  1. Una vida oculta – A Hidden Life

En las manos magistrales de Terrence Malick, el fascismo no es simplemente una amenaza sociopolítica, sino también moral y espiritual. A Hidden Life (Una vida oculta), del director, cuenta la historia basada en hechos reales de Franz Jägerstätter (August Diehl), un granjero del enclave rural austriaco de Radegund cuyo mundo se ve alterado para siempre por la aparición de los nazis en 1939, y el requisito, una vez que se le obliga a unirse al ejército del Tercer Reich, de jurar lealtad al partido de Hitler.

La negativa de Franz a hacerlo está llena de peligrosas consecuencias no sólo para él mismo, sino también para su esposa Franziska (Valerie Pachner), cuya lealtad incondicional a su marido frente al ostracismo comunal es tan valiente como su postura ética contra la tiranía. La historia de Malick no podría ser más oportuna, ni más hermosa, ya que su estética poética -definida por una cinematografía de mano arremolinada, arrolladora, íntima y épica, la altísima partitura orquestal de James Newton Howard y la silenciosa narración de monólogos internos- da cuenta de la relación alternativamente armoniosa y disonante entre lo material y lo celestial.

Después de tres desvíos hacia un terreno más puramente expresionista, el regreso de Malick a la forma de hacer cine impulsado por la narración resulta en una película apasionante sobre la responsabilidad: hacia el país, Dios, el clan y hacia uno mismo.

  1. Transit

En una Europa que se asemeja simultáneamente a la de hoy y a la de 1940, el expatriado alemán Georg (Franz Rogowski) se esfuerza por escapar de París antes de la llegada de los fascistas invasores del nazismo. Al llegar a Marsella, se hace amigo del hijo africano (Lilien Batman) y de la esposa (Maryam Zaree) de un antiguo camarada.

Por circunstancias, también asume la apariencia del famoso escritor Weidel, cuyas posesiones adquiere y cuya documentación que le permite viajar a México le espera en la embajada de la ciudad portuaria. También lo hace la esposa de Weidel, Marie (Paula Beer), quien repetidamente confunde a Georg con su marido, y que anhela el reencuentro incluso mientras continúa una aventura con un hombre (Godehard Giese) cuyo amor obsesivo le impide partir. Las fronteras que hay que cruzar y las barreras que impiden el paso están omnipresentes en Transit, que como gran parte de la obra del escritor/director Christian Petzold de transición-fija, es una ensoñación romántica y desoladora sobre la identidad, el arrepentimiento, el trauma y el renacimiento.

Además, es otra de sus obras maestras para confrontar temas de conciencia personal y nacional a través de un filtro de cine distintivo, con Casablanca y The Passenger demostrando dos de sus muchas piedras de toque espirituales.

Sus personajes, unidos por lazos espectrales que pueden sentir si no se identifican (o controlan) del todo, es una fascinante e intrínsecamente misteriosa historia de fantasmas que es a la vez atemporal y, tristemente, de nuestro momento particular.

  1. El irlandés – The Irishman

Reuniéndolo con sus estrellas favoritas (así como con Al Pacino), y marcando la friolera de 209 minutos, el irlandés sirve como el gran cierre de Martin Scorsese sobre el género de gángsters que ayudó a elevar a la grandeza con Goodfellas de 1990 y Casino de 1995.

Utilizando una revolucionaria (y en gran medida efectiva) reducción del envejecimiento de la imagen gráfica para hacer que su reparto aparezca décadas más joven, la adaptación del director del libro de no ficción de Charles Brandt I Heard You Paint Houses cuenta la vida criminal de Frank Sheeran (Robert De Niro), un matón del mafioso Russell Bufalino (Joe Pesci) y compatriota cercano del pez gordo de los Teamsters Jimmy Hoffa (Pacino), este último al que supuestamente ejecutó en 1975.

La película de Scorsese, que se extiende a lo largo de toda la historia y que traza las intersecciones entre la mafia y la política nacional (incluyendo la elección y el asesinato de JFK), es también un drama en forma de flashback sobre el paso del tiempo y el impacto -o la escalofriante falta de él- que el arrepentimiento, la traición y la inmoralidad tienen en el alma de un hombre.

Liderada por la bravura se aleja de sus protagonistas (Pesci tranquilo y amenazante; De Niro estoico y vacío; Pacino ardiente y carismático), es una epopeya sobre la corrupción americana y la deshonra del inframundo.

  1. Hagazussa

El poder demoníaco y oscuro se extiende a través de Hagazussa, una historia popular legítimamente malvada sobre la herencia, la corrupción y la condenación. En los Alpes austriacos, hacia el siglo XV, la joven Albrun (Celina Peter) cuida de su madre (Claudia Martini), una supuesta bruja, en su remota cabaña de troncos.

Años más tarde, la Albrun adulta (Aleksandra Cwen) cuida a su hija pequeña en esa misma morada, cuyo único visitante es Swinda (Tanja Petrovsky), una vecina que, al igual que el sacerdote local, parece preocupada por salvar el alma de la Abrun condenada al ostracismo.

Ligera en diálogos pero pesada en misterio de magia negra, la fábula del escritor/director Lukas Feigelfeld lanza su hechizo a través de una trama de combustión lenta e imaginería malévola, culminando con una caleidoscópica orgía visual submarina de sangre, raíces, huesos, zarcillos y formas mutantes.

Como la niebla que cubre las copas de los árboles de la región montañosa, las sugerencias de fuerzas profanas están por todas partes – en la vista de Albrun ordeñando su cabra, o en un santuario para un cráneo – y se escarban bajo la piel de uno, muy parecido al susurro impío y al atronador bajo que se escucha en una banda sonora que anuncia la locura, la perdición, el final.

  1. Mujercitas – Little Women

Greta Gerwig se establece como una de las mejores directoras del cine mundial con Little Women, una adaptación de la novela de Louisa May Alcott que está rebosante de vida efervescente.

Liderada por una colección de actuaciones destacadas que se estremecen con la vivacidad, el anhelo, el arrepentimiento, el resentimiento y la resolución de los adolescentes, la película revisa los diversos altibajos de las hermanas March.

La escritora independiente Jo (Saoirse Ronan); la actriz conservadora Meg (Emma Watson); la pintora primitiva Amy (Florence Pugh); y la pianista enferma Beth (Eliza Scanlen). Junto a su madre cariñosa (Laura Dern), la desagradable tía rica (Meryl Streep) y la vecina del barco de ensueño Laurie (Timothée Chalamet), los hermanos intentan abrirse camino en un mundo en el que, según Amy y Jo, la soberanía femenina sólo se consigue con dinero, y el matrimonio es a la vez una transacción económica y un vínculo forjado por el amor.

Dando vueltas hacia atrás y hacia delante en el tiempo para crear todo tipo de ecos narrativos (y formales) armoniosos, y ambientada en la exuberante y vibrante partitura de Alexandre Desplat (la mejor del año), Gerwig infunde a su célebre historia un espíritu feminista que fluye naturalmente de su tierna representación de los problemas entrelazados y universales de sus heroínas.

Desde el eufórico comienzo en movimiento hasta el perfecto final autorreferencial, es una historia consagrada que se ha vuelto nueva y encantadora una vez más.

  1. Gemas sin cortar – Uncut Gems

Adam Sandler es un perdedor que no puede dejar de perseguir esa esquiva victoria en Uncut Gems, una película policíaca que provoca ansiedad y que se alimenta de la adicción de su protagonista a la prisa de arriesgarlo todo.

Harold Ratner (Sandler) es un comerciante de diamantes del distrito de Manhattan que cree que ha dado en el clavo con un raro ópalo sacado de contrabando de Etiopía gracias a unos judíos africanos. Su plan es venderlo en una subasta por un millón de dólares, y así saldar sus deudas con su cuñado Arno (Eric Bogosian) y sus violentos socios.

Sin embargo, este plan se ve empañado por un encuentro con la superestrella de los Boston Celtics Kevin Garnett (que se interpreta a sí mismo), un ganador legítimo que se aficiona a la valiosa roca, así como por conflictos con su socio comercial (Lakeith Stanfield), su esposa (Idina Menzel) y su amante (Julia Fox).

El material de los directores Josh y Benny Safdie opera en un implacable punto de fiebre, su cámara se desliza y gira con la excitación nerviosa y el terror de Ratner, y se acerca a los ojos de los personajes -y los observa en una mudanza asistida por grúa en las calles de la ciudad- con un estilo de los años 70.

Los recién llegados Garnett y Fox son geniales, pero la película es, en última instancia, todo Sandler, cuya encarnación de la avaricia y la desesperación de Long Island, egoísta y en busca de placer, es francamente estimulante.

  1. Gloria Bell

Envejecer no es fácil para Gloria Bell (Julianne Moore), la única heroína del extraordinario remake en inglés de Sebastián Lelio de su drama chileno de 2013.

Entre amigos que han sido despedidos, preocupaciones por la jubilación y niños adultos que navegan por sus propios caminos románticos, Gloria se abre paso a través de la edad media con una cara valiente, encontrando consuelo temporal en la pista de baile y, por un tiempo, en los brazos de Arnold (un magnífico John Turturro), un recién divorciado que lucha por liberarse de su ex esposa y sus dos hijas necesitadas.

Con una dureza ligera que permite instancias de lirismo escapista (nada mejor que tomas recurrentes de Gloria girando entre colores arremolinados), Lelio modela una oda tierna, incisiva y desgarradora a las innumerables complicaciones de la edad adulta, donde los esfuerzos por avanzar están cargados de arrepentimientos, enredos y anhelos de conexión. Dirigida por un giro de fuerza de Moore, cuyo trabajo expresivo es uno de sus mejores hasta la fecha, es una historia a pequeña escala con una profunda comprensión de la vida tal y como se vive y se siente.

  1. El vagabundo de la playa – The Beach Bum

Matthew McConaughey es el rey del laissez-faire cool del bongo-drumming, y en The Beach Bum, asume el papel para el que nació. Ese sería Moondog, un «alimentador de fondos» del sur de la Florida que, habiendo dejado de lado su otrora ilustre carrera de poesía, ahora se contenta con recorrer los muchos establecimientos de su ciudad costera, buscando su próximo toke, bebida y hermosa mujer para dormir.

La saga de la escritora y directora Harmony Korine sigue al destartalado Moondog de una absurda aventura a la siguiente (con, entre otros, Snoop Dogg, Isla Fisher, Zac Efron, Martin Lawrence y Jonah Hill), canalizando tanto su don para tomar la vida tal y como viene, como su habilidad para obtener placer sensualista de cada nuevo encuentro.

Con el pelo largo y una riñonera fijada permanentemente alrededor de su cintura, McConaughey es un magistral hedonista drogadicto, y si sus aventuras no son suficientes para proporcionar un potente contacto, el colorido retrato de Korine y el cinematógrafo Benoît Debie de los ambientes elegantes y oprimidos de Florida es más que un truco delirante.

  1. Climax

El cine de Gaspar Noé traza rutinariamente la línea que va de la armonía al caos, y eso es una vez más cierto en Climax, el cuento inspirado en hechos reales de una fiesta de baile que desciende a una locura infernal.

Comenzando, de manera portentosa, con entrevistas vistas en un televisor rodeado de las películas de terror en VHS favoritas del director, la última del autor francés es posiblemente la menos provocativa hasta la fecha.

Sin embargo, sigue siendo una locura en aumento que se ha convertido en un éxito de la electrónica y está poblada por una gran cantidad de monstruos potenciales. Incluso durante su más sereno comienzo, los números coreografiados de sus personajes exhiben una intensidad aterradora, y una vez que estos artistas beben sin querer un poco de ponche con LSD, su equilibrio emocional y sus relaciones interpersonales se descontrolan aterradoramente.

A menudo ejecutado en largas tomas individuales, el trabajo de cámara giratorio, flotante y deslizante de Noé es tan hábil como sus sujetos físicamente ágiles. El resultado es una pieza estética que se siente como la extravagancia de la danza psicosexual del inframundo que la Suspiria de Luca Guadagnino quería ser, repleta de un final que toma residencia en algún noveno círculo alucinatorio del Infierno.

  1. Bajo el Lago de Plata – Under the Silver Lake

Hay códigos dentro de códigos dentro de códigos en Under the Silver Lake, el delirantemente shambólico neo-noir de David Robert Mitchell sobre el sabueso drogadicto Sam (Andrew Garfield, nunca mejor) que atraviesa un paisaje de Lynch-ian L.A. en busca de una misteriosa belleza perdida (Riley Keough).

Canalizando también el espíritu de Robert Altman, Brian De Palma, Alfred Hitchcock y los clásicos de la edad de oro de Hollywood (con una partitura al estilo de Henry Mancini), la cine-odisea de Sam es una búsqueda de sentido en un mundo de cultura pop demasiado abarrotado.

Las películas y los mitos chocan, tanto de manera alegre como triste, mientras Sam se esfuerza por descubrir las nudosas conexiones de la teoría de la conspiración que vinculan a todo y a todos. Desde Super Mario Bros., cultistas de la nueva era, piratas y tumbas con bombas, hasta patrones de porno masturbatorio, asesinos de perros, cómics (Spider-Man, guiño) y letras de canciones garabateadas en cajas de pizza, los códigos secretos que rigen el mundo son omnipresentes.

Mitchell los revela a través de una aventura que es ingeniosa, estéticamente diestra, y que está llena de oscuras desilusiones sobre los poderes del titiritero y sus maquinaciones encubiertas.

Reconfigurando el corazón fatalista del cine negro para nuestra enmarañada condición moderna, es un retrato de la nueva y surrealista desolación, con todo formando parte de un todo más grande que no ofrece ninguna sustancia o consuelo – dejando sólo ese eterno deseo de verdad, y de unión.

  1. Retrato de una dama en llamas – Portrait of a Lady on Fire

Las pasiones se esconden bajo las fachadas pictóricas de Retrato de una dama en llamas, y la directora Céline Sciamma exige que se inspeccione su marco -y las caras de sus personajes- para localizarlos.

Es sólo uno de los muchos aspectos en los que esta pieza de época francesa se basa en los actos de ver y ser visto, así como en la relación entre la acción presenciada, inferida y recordada. En una remota casa solariega de finales del siglo XVIII, Marianna (Noémie Merlant) recibe el encargo de una condesa (Valeria Golino) de pintar a su hija Héloïse (Adèle Haenel), recién llegada de un convento, comprometida contra su voluntad a casarse, y ya lo suficientemente desafiante como para haber rechazado a un pintor.

La floreciente relación entre Marianna y Héloïse es una relación de amor a fuego lento, que Sciamma escenifica con una meticulosidad y una tranquilidad (sin ninguna banda sonora) que no hace más que aumentar la atmósfera de doloroso ardor.

Tanto Haenel como Golino son fenomenales, este último particularmente como una belleza que ostenta una sonrisa de Mona Lisa comprometida en un proceso de autodefinición inexplorado. Ya sea en la orilla de las olas, en la cama, en el estudio improvisado de Marianna, o en la casa de una mujer que realiza un aborto para la sirvienta de Héloïse, Sophie (Luana Bajrami), es una película que asume – y es fundamentalmente sobre – el complejo poder de la mirada femenina.

  1. Monos

En lo alto de las montañas de un país latinoamericano no identificado, una banda de niños soldados (con nombres como Rambo, Wolf y Boom Boom) participan en un intenso entrenamiento físico y en singulares rituales de agravio -como azotar a un miembro por su cumpleaños- mientras cuidan a su rehén, un médico estadounidense (Julianne Nicholson).

Una fábula confusa que se siente atrapada entre Apocalypse Now y El Señor de las Moscas, Monos de Alejandro Landes se sumerge en su inquietante entorno a través de imágenes de figuras silueteadas colocadas contra enormes y envolventes nubes y secuencias de hostilidad, amor y locura. Tras un trágico suceso relacionado con una vaca lechera que les había prestado un partidario local, los jóvenes guerreros huyen con el médico de Nicholson al exuberante bosque, donde la unidad y la cordura empiezan a deshilacharse poco a poco.

Marcado con inquietantes ruidos electrónicos y con melodías orquestales lastimeras, el fascinante largometraje de Landes asume la calidad de un viaje de drogas, evocando temas de alienación, control, sexo, miedo y lealtad a través del calvario de sus jóvenes protagonistas masculinos y femeninos. En esta saga sobre la autodestrucción de la guerra, los niños no están bien.

  1. Un elefante que se queda quieto – An Elephant Sitting Still

La tragedia proviene del rechazo, el resentimiento, la alienación, la rabia y la pena en Un elefante sentado en silencio, una epopeya íntima sobre los ciudadanos chinos que se ven a sí mismos como impotentes e inútiles.

El primer largometraje de Hu Bo (que murió poco después de terminar la producción) trata de un conjunto de individuos cuyas vidas se cruzan en el transcurso de un solo día: Wei Bu (Peng Yuchang), un airado estudiante de secundaria que comete accidentalmente un crimen catastrófico; Yu Cheng (Zhang Yu), el hermano gángster culpable de la víctima de Wei Bu; Huang Ling (Wang Yuwen), un compañero de clase de Wei Bu que está involucrado con su vicedecano; y Wang Jin (Liu Congxi), un abuelo que está siendo coaccionado por su hijo y su nuera para que se mude a un asilo de ancianos.

Hu filma cada escena prolongada en tomas largas e ininterrumpidas, habitualmente en primer plano sus sujetos en un enfoque superficial mientras escenifica la acción clave en el fondo borroso.

A las casi cuatro horas, la película imparte una sensación abrumadora de la desesperación de sus personajes, y de la desgracia que les ocurre tanto si permanecen solos como si intentan relacionarse con otros, una desesperación sólo amplificada por su empatía.

  1. El largo viaje del día a la noche – Long Day’s Journey Into Night

El director de Kaili Blues, Bi Gan, concluye su segundo largometraje con un plano secuencial de 56 minutos en 3D, con la cámara a su lado (y encima y detrás) de su protagonista, Luo Hongwu (Huang Jue), mientras navega por un paisaje rural de ensueño al que ha viajado mientras estaba sentado en un cine.

El pasado, los recuerdos y el cine están inextricablemente entrelazados en Long Day’s Journey Into Night, cuya historia -sobre el regreso de Luo a su ciudad natal de Kaili, donde recuerda a un viejo camarada y busca a su antiguo amor Wan Qiwen (Tang Wei)- se desarrolla hoy y ayer de forma conmovedora.

Motivos que incluyen relojes rotos, agua que gotea, cielos estrellados, vuelo y fuego, son los últimos de Gan, que se reservan con imágenes reveladoras de luces de techo de color giratorias y una habitación que gira alrededor de los amantes felices.

Tan seductora como hermosa, su película oblicua muestra la experiencia de Luo en un mundo a la vez real e imaginado, a lo largo del camino espiándolo a través de numerosos espejos y filtros de cristal hasta que se asemeja a un fantasma desplazado en busca de un hogar.

  1. El Souvenir

El amor joven es un vehículo para la autodefinición en The Souvenir, de Joanna Hogg, el drama de la mayoría de edad del escritor y director. La aspirante a cineasta londinense Julie (Honor Swinton Byrne) se enamora de Anthony (Tom Burke), un hombre mayor y culto que tiene la costumbre de hacer que cada cumplido suene a beneficio propio.

Hogg describe su aventura con poca preocupación por las cosas superfluas que se encuentran en medio, cortando de manera puntual los incidentes más cruciales de la pareja, y en el proceso ella logra un equilibrio seguro entre el realismo y el impresionismo.

Un hábito de drogas semi-clandestino se convierte finalmente en un factor de complicación para el dúo, pero el verdadero corazón de esta apasionante película es la propia Julie, cuyo estado interior se hace vivo gracias al enfoque íntimo y estéticamente diverso de la directora.

Inundada de charla sobre cine y realización de películas, la película de Hogg se eleva por el giro estelar de Byrne como una joven atrapada entre el amor genuino, su reconocimiento de que su relación está quizás condenada a fracasar y su deseo de encontrar su voz -personal y artísticamente- por su cuenta.

  1. Apolo 11

El término «impresionante» puede ser usado en exceso en los círculos críticos, pero se aplica rotundamente al Apolo 11 de Todd Douglas Miller, un documental definitivo sobre el primer viaje de Estados Unidos a la luna.

Se estrena en el 50 aniversario de ese acontecimiento trascendental y utiliza un tesoro de grabaciones de 65 mm recientemente descubiertas y grabaciones de audio para ofrecer una visión cercana y personal de los preparativos para el lanzamiento, los hombres y mujeres que trabajan entre bastidores para garantizar su seguridad, las multitudes que se reúnen para presenciar la historia y el vuelo al espacio exterior en sí mismo, filmado por cámaras que acompañan (y a veces son tripuladas por) Neil Armstrong, Buzz Aldrin y Michael Collins.

Esa imagen tiene una escala impresionante, que transmite la enormidad literal y figurativa de todo lo relacionado con el Apolo 11, lo que lo hace ideal para IMAX. Sin embargo, en cualquier formato, es un esfuerzo de curaduría de una enormidad emocionante, presentando este triunfo pionero como el subproducto de una miríada de individuos, un inmenso ingenio y la valentía colosal de tres hombres que se atrevieron a aventurarse a las estrellas.

  1. Diane

Diane (Mary Kay Place) siempre está pendiente de los demás, ya sean sus buenos amigos, sus parientes mayores o su hijo Brian (Jake Lacy), que no puede controlar su hábito de drogas.

Diane de Kent Jones es un estudio de carácter de esta solitaria mujer de Massachusetts, lleno de detalles reveladores y momentos agudamente observados que hablan de su altruismo cristiano, su duro amor, y los secretos que continúan atormentándola (y, tal vez, impulsándola). La revelación, la resurrección, el abandono y el duelo son todos factores que forman parte de su inquietante historia.

En su debut, el crítico-convertido-en-escritor-director corta con eficacia, de modo que no se desperdicia ningún gesto o expresión, y sin embargo también tiende a quedarse – en la lista de tareas pendientes de un cuaderno, o en un rostro que intenta ocultar la realidad detrás de una declaración reciente – para evocar mayores verdades no dichas.

Animada por un guión en sintonía con los ritmos dolorosos de la vejez (y de Nueva Inglaterra), la película de Jones se apoya en los hombros de la estelar y vivida interpretación de Place como Diane, una mujer falible cuyo desinterés está coloreado por la ira y el arrepentimiento.

  1. Érase una vez en… Hollywood – Once Upon a Time in…Hollywood

Quentin Tarantino regresa a la ciudad de sus sueños en 1969 con Érase una vez en… Hollywood, un ensueño por ese momento pasado en el que la cultura y la contracultura chocaron.

En el lado negativo de esta ecuación está la descolorida estrella de la televisión occidental Rick Dalton (Leonardo Dicaprio) y su leal doble de acción Cliff Booth (Brad Pitt), cuya navegación por este entorno rápidamente cambiante se cruza con el ascenso de la vecina de Rick, Sharon Tate (Margot Robbie) y su esposo Roman Polanski (Rafał Zawierucha) – todo ello mientras la Familia Manson asume su pronto y destructiva posición en su horizonte.

Tarantino prodiga su ambiente de época, y las películas y la televisión de la época, con un amor de color neón salpicado de sol. La suya es una celebración conservadora de lo viejo en el mismo momento en que lo nuevo tomó el control (sin mencionar el deseo de una fusión de ambos), y un aire de nostalgia – y deseo de luchar contra la obsolescencia – impregna la acción.

Liderada por los soberbios giros de DiCaprio y Pitt como artistas que tratan de mantenerse a flote en una industria radicalmente transformadora (y en América), es una fantasía de historia revisionista empapada de nostalgia, éxtasis, anhelo y sangre.

  1. Aves de paso – Birds of Passage

La modernidad capitalista, que toma la forma del comercio de la marihuana, corrompe una cultura local colombiana en Birds of Passage, un drama policíaco de gran riqueza etnográfica del director de Embrace of the Serpent (Abrazo de la serpiente), Ciro Guerra.

Dividida en cinco secciones entre 1960 y 1980, y ambientada en la región norteña de La Guajira, la película de Guerra (codirigida por su esposa y socia productora Cristina Gallego) detalla la desintegración de una comunidad Wayuu gracias al emprendedor Rapayet (José Acosta), quien se casa con la hija de la imponente matriarca Ursula (Carmiña Martínez) y transforma la fortuna de todos mediante el contrabando de hierba obtenida de sus parientes.

La tensión entre la tradición y el progreso es casi tan enseñada como la que existe entre la misericordia y la brutalidad, ya que el ascenso del clan al protagonismo del narcotráfico tiene un costo catastrófico.

Intercalando su historia verídica con una ensoñación envolvente, Guerra y Gallego capturan las formas insidiosas en que la avaricia se propaga como un veneno, cortando a la gente de su patrimonio, su moralidad y, en última instancia, de sus seres queridos y de sí mismos.

  1. La ceniza es el blanco más puro – Ash Is Purest White

El amor se fractura y el pasado se desgarra en Ash is Purest White, otra notable saga del autor chino Jia Zhang-ke sobre individuos que intentan trazar un rumbo a través de una nación en rápido desarrollo.

Empleando proporciones de aspecto expansivo y cuadrado para denotar diferentes períodos de tiempo, y embelleciendo su acción con canciones pop (incluyendo el tema de «The Killer» de John Woo), Jia dramatiza el romance entre el gángster Bin (Liao Fan) y su novia Qiao (la esposa de Jia y su protagonista favorito, Zhao Tao), que termina abruptamente después de que esta última es encarcelada por usar un arma de fuego para salvar a su pretendiente durante un ataque.

Tras su liberación, Qiao se esfuerza por aclimatarse a un mundo modernizado al que no le importan los daños colaterales que se dejan a su paso. Desde los jóvenes principiantes que buscan tomar la posición de Bin, hasta el trabajo a lo largo de las Tres Gargantas (que finalmente sumergirán los pueblos), el cambio está en marcha.

Dividido en tres secciones, es una visión épica de sacrificio y tenacidad en una época tumultuosa, liderada por la imponente actuación de Zhao como una mujer cuya astucia e ingenio se corresponde con su devoción.

  1. Parásito – Parasite

Mezclando el comentario de clase de El hombre de las nieves con la dinámica familiar de El huésped, Bong Joon-ho lleva un bisturí a la desigualdad con Parásito, su mordaz drama sobre un clan de clase baja que se esfuerza por salir del sótano figurativo y literal.

Aprovechándose de la ingenuidad de la esposa del pez gordo de la empresa, Yeon-kyo (Yeo-jeong Jo), el adolescente Ki-woo (Woo-sik Choi) se abre camino hacia un trabajo en su lujosa casa como tutor de inglés para su hija.

Gigs pronto le sigue su hermana Ki-jung (So-dam Park) como profesora de arte, su padre Ki-taek (Kang-ho Song) como conductor, y su madre Chung-sook (Hye-jin Jang) como ama de llaves. Por desgracia, adquirir esos puestos implica arruinar a sus predecesores, y mantenerlos implica un negocio aún más desagradable, además de soportar la mezquina crueldad, condescendencia y egoísmo de sus empleadores.

La estética de Bong, que se ve a través de los cristales y las composiciones que descienden desde las posiciones altas a las bajas, evoca las divisiones sociales y económicas que rigen la Corea del Sur moderna y realza su imagen de la crueldad de matar o morir a la que muchos se ven abocados por la necesidad, la necesidad y el resentimiento ardiente.

  1. Dolor y gloria – Pain and Glory

«Odio la autoficción», dice la anciana madre del cineasta Salvador Mallo (Antonio Banderas), un astuto guiño a la naturaleza arraigada en la realidad del escritor/director Pedro Almodóvar en su sombría, pero alegremente catártica, última película.

Con problemas de salud y depresión, que han provocado inercia creativa, Mallo utiliza una proyección retro de un antiguo triunfo para arreglar las cosas con el distanciado protagonista Alberto (Asier Etxeandia), que pronto le introduce en la heroína para aliviar la migraña.

Esta es sólo la primera de muchas maneras en las que Mallo intenta reconectarse con su pasado, ya que los recuerdos de su juventud junto a su madre (Penélope Cruz) y el encuentro con una vieja llama (Leonardo Sbaraglia) también le permiten redescubrir su amor al cine, a la familia y a sí mismo.

Aunque su gran y despeinado cabello canoso recuerda el peinado del propio Almodóvar, la actuación de Banderas no es un acto de mimetismo; irradiando una tranquila y conmovedora angustia, su Mallo es un hombre libre de las cosas que lo hicieron ser quien es – una crisis que sólo supera en la última e inolvidable composición pictórica de la película.

  1. En tela – In Fabric

La afición de Peter Strickland por el cine de género europeo de los años 70 y 80 continúa sin disminuir con In Fabric, la divertida y amenazante historia de un vestido rojo poseído con un poder impío.

Vendido en una tienda por una vendedora (Fatma Mohamed) con una verdadera identidad nefasta, la prenda satánicamente erótica se aprovecha de lo sexualmente reprimido y/o insatisfecho, todo mientras revolotea y revolotea como un espectro siniestro.

Esto supone un problema para Sheila (Marianne Jean-Baptiste), una recién divorciada que descubre que el uso de la prenda deja en su cuerpo extrañas marcas de quemaduras, así como para sus posteriores propietarios Reg (Leo Bill) y Babs (Hayley Squires), que también caen bajo su oscuro hechizo.

Strickland relata su loco cuento con explosiones de color chillón, fotomontajes en blanco y negro y una hipnotizante partitura de Cavern of Anti-Matter, así como a través de composiciones que tienen la tendencia a cortar la cabeza de sus personajes (enfatizando así sus entrepiernas).

Hay mucho horror chillón que se puede encontrar aquí, así como comedia graciosa, ya que el escritor/director nunca pierde de vista el humor inherente de su engreimiento.